Magenknurr’n und alte Witze – darmstadt 2010

Manchmal muss man sich schämen. Da sind grandiose Musiker, sie spielen gute Musik – und man verlässt das Konzert vor dem Ende. Aus einem profanen Grund wie: Nahrungsaufnahme.

Eine Marathondistanz haben die Ferienkurskonzerte ihren Hörern gestern Abend offeriert. International Contemporary Ensemble – von deren glamouröser Fundraising-Party Moritz berichtete – und ensemble recherche hatten zusammen geschmissen für einen gemeinsamen Konzert-Abend, der glatte dreieinhalb Stunden währte. Da war das Ende lange noch nicht in Sicht, denn auch das norwegische Ensemble Asamisimasa hatte noch einiges zu bieten. Es war Mitternacht, als offiziell die After-Hour eingeleitet wurde. Man könnte auch sagen: als die erste Pause begann.

Dass er es bei der Programmierung der Konzerte vielleicht etwas zu gut gemeint hat, ist das einzige, was der Stippvisiteur dem künstlerischen Leiter im Laufe seiner ersten „Darmstadt-Ferien“ ins Gästebuch schreiben mag. (Der Ausdruck Gästebuch ist mit Bedacht gewählt, denn als „Gastgeber“ könnte man vielleicht am ehesten die zugleich offene wie verbindliche Art umschreiben, mit der Thomas Schäfer seine Rolle ausübt.)

Darmstadt ist unterwegs: die zahlreichen Fahrräder, die durch die Stadt flitzen, sind vielleicht das sichtbare Symbol dafür und die Meinung der Stammgäste einhellig. Obowhl sich die Zusammensetzung der Dozenten kaum verändert hat, ist der Geist ein anderer. Zugleich straffer und lockerer sei das Programm geworden, sagen Dozenten, die nicht früher ins Bett gehen als ihre Schüler. Wer durch diese Darmstädter Schule will, muss Langeaufbleiber und Frühaufsteher ineins sein und wer’s nicht ist, der muss es werden. Ein berühmtes Bild des jungen Wolfgang Rihm, der auf einer Darmstädter Bank dem Schlummer verfallen ist, hat sich in den vergangenen Tagen mit vielen weiteren Gesichtern überlagert: „Der junge Künstler als übernächtigter Mann“.

Zu den Konzerten aber noch ein paar Worte. Hervorgehoben sei zunächst, dass auch Darmstadt eine Sporthalle besitzt, wo käme man denn dahin, wenn man mal ein Neue Musik-Festival ohne den Geruch von Linoleumboden und Teenieschweiß hätte erleben müssen.

Das Konzert fing extrem erfreulich an: Musikermusik stand auf dem Programm, der tierische Trompeter des ICE, Peter Evans, hat sich und seinen Kollegen an der Gitarre, Klavier und Percussion ein Stück geschrieben, das die Spontankraft des Free-Jazz mit Wille zur Form kanalisierte. Eine hyperaktive Flöte war zunächst die Protagonistin von Jason Eckardts 16, das etwas zu didaktisch den Weg von geräuschhafter Sprache zur großen Melodie nachzeichnete. Aber auch hier darf man begeistert sein, was Claire Chase, die Flötistin, da geleistet hat. Nathan Davis eröffnete dem Publikum „The Bright and Hollow Sky“ und ich habe mir leider nicht aufgeschrieben, warum ich dieses Stück so gut fand, wie ich es fand, ich weiß, das ist peinlich, jedenfalls hatte es wohl etwas mit einer durchaus rockigen Attitüde zu tun, die nicht anders als mitreißend zu beschreiben ist. Von der chinesischen Komponistin Du Yun bekam das Publikum einen „Impeccable Quake“ mit auf den Weg: eine makellose Erschütterung. Dieser Komponistin sei die Bekanntschaft auch mit Sinfonieorchestermanagern empfohlen. Solch unaufdringliche Allusion an ostasiatisches Musikgut mit energetischem Impact kommt nicht nur in Turnhallen.

Anhand des Kontrasts zum Nachfolgenden ließe sich nun vorzüglich über Unterschiede zwischen Europa und Amerika diskutieren, denn mit Rebecca Saunders wurde es wieder anders: Ihre räumliche Collage für zehn Musiker, „murmurs“, spannte fein ziselierte Linien durch den Raum, sponn ein delikates Klangnetz, dessen Farbspiel in der Interpretation des ensemble recherche einen unerhörten Reichtum erlangte. Gleichwohl hatte man in dieser knappen halben Stunde den Eindruck einer viel größeren Hermetik als zuvor: die Musik hätte auch noch eine halbe Stunde so weiter gehen können, sie hätte auch nach zehn Minuten vorbei sein können. Musik wie ein Blick in die Kristallkugel, aus der das Bild, das man darin zu finden hofft, nicht auftaucht.

Nach einer Umbaupause: Klassikerstunde mit ensemble recherche, „Refrain“ (1959) für Klavier, Celesta und Schlagzeug – mit dem von Stockhausen in den 90ern festgeklebten Lineal, offene Form fixiert. Johannes Schöllhorns Boulez-Exegese „berstend-starr“ wirkte zu diesem Zeitpunkt aber bereits vor allem starr, was nur am Hörer lag, nicht am intellektuellen Witz und nicht an der luziden Ausführung.

Earle Brown und Iannis Xenakis wurden, wie angedeutet, einer penne all’arabiata geopfert. Und auch Oyvind Torvunds Plastikspielzeugspiele wurden nicht erreicht. (Ein junger amerikanischer Komponist äußerte sich geringschätzig über dieses „gaming around“, schade, klingt, als ob ichs gemocht hätte.) Simon Steen-Andersens Klavierstück gewann ungemein durch das rückenfreie Kleid der Pianistin, die, unterstützt von zwei Assistenten, dem Klavier allerlei Tonloses zu entlocken vermochte mit einem Stück, das leider bei Weitem nicht an die Qualitäten des Ensemblestücks vom Vortag heranreichte. An Mauricio Pauly erinnere ich mich nicht, Brian Ferneyhougs „Renvoi/Shards“ für E-Gitarre und Vibraphon klangen hübsch schräg, denn Hakon Morch Stene bediente ein Vierteltonvibraphon. Ansonsten der Beweis, dass man Ferneyhough-Gesten auch auf der E-Gitarre produzieren kann, wenn auch irgendwie nicht so überzeugend.

Erwähnung hat allerdings noch Trond Reinholdtsen verdient, dessen „Unsichtbare Musik“ voll auf der Linie des Ensembles Asamisimasa lag: die norwegische Gruppe bewegt sich gelegentlich gern auf neodadaistischen Pfaden. Der Komponist war Teil der Performance und eröffnete das Werk mit musikalischen Begriffen, die vom Ensemble instantan beantwortet wurden: „Unisono“, „Akkord“, „Wiederholung“, „Variation“, „Entwicklung“ etc. Der Witz lag selbstverständlich in Identität oder Differenz zwischen Konzept und Ausführung und drohte sich rasch zu erschöpfen oder in additiver Beliebigkeit zu verlieren. Dann aber gab es gewissermaßen die dialektische Volte, als Reinholdtsen Publikumsreaktionen auf den ersten Vortrag von John Cage bei den Ferienkursen zitierte und mit den Reaktionen auch die Auslöser. Er offenbarte sein Konzept als eine Aemulation des Vortrags von John Cage.

Was sagt das über Darmstadt? Vielleicht: Der Schatz, den die Archive bilden, hält mehr an Aussagen über die Zukunft bereit, als die schon geschriebenen Geschichtsbücher vermuten lassen. Die Auseinandersetzung mit dieser Geschichte birgt die Möglichkeit, zu neuen, überraschenden Lösungen zu finden.

Dann aber sagt es natürlich nichts über einen Ort, ein Festival, sondern nur über uns Rezipienten: Gute Witze erzählt man gerne weiter.

Bei einem Kurzbesuch von bloß drei Tagen bleibt nur ein vager Eindruck von der Erfahrung, die diese „Ferienakademie“ zu stiften vermag. Ein wenig ist es ein Festival, ein wenig eine Arbeitsstätte. Es gibt keine Trennung zwischen Produzenten und Rezipienten, alle frickeln irgendwie, irgendwo am selben Ding. Mit diesem Gefühl geht man vielleicht auch wieder anders in den Alltag. Für künftige Jahrgänge fehlt eigentlich nur noch eine Lehr- und Tateinheit, die im Geflecht von Produktion und Rezeption nicht zu vernachlässigen ist: Das Hören.

So sei der künstlerischen Leitung zu guter Letzt die Einrichtung einer Besucherschule empfohlen, für die zertifizierende Ausbildung von Diplomrezipienten. Das verstockte Rührei im Maritim reicht wohl noch für alle. Wenn man genug isst, vielleicht auch bis um Mitternacht.