orlando di lasso als king of pop

Da trauert die Fagemeinde schon seit Sommer 2007, siehe Fotos bei br-online, also ein institutionalisierter Trauer-Flashmob? Orlando di Lasso als King of the Pop der Renaissance, mit Sarabanden-Moonwalk? Der Vorname „Orlando“ klingt schon ein wenig nach Fussballidol.

Es ist einfach rührend, wie ein Renaissance-Komponist zum Platzhalter für einen Star des 20. Jahrhunderts wurde. Was könnte die Musik der zwei verbinden? Beide waren sie sicherlich keine ersten Grossmeister der reinen Tonkunst. Sie sind aber immer noch Vorbild für perfekte Showeinlagen. Ein optischer Genuß sind Jackos Shows selbst für mich Banausen gewesen, die erotisierenden Überschläge seiner hochgeführten Stimme Take That hoch zehn in einer Person. Weniger in der Auftrittsperformance, mehr im inneren Wesen seiner Musik war Orlando di Lasso ein wunderbarer Konkretisierer von Tieren, Natur und Gemütslagen – immer wieder ein Spaß, lange vor Haydns distinguierten Humor. Immerhin führt das Bayerische Staatsorchester als Hofkapelle zu Orlandos Zeiten seine eine Tradition auf ihn zurück, die andere wäre – dies viel eher – der Bezug zu der Mannheimer Hofkapelle, die Mozart so lobte, welche vom Neckar mit dem den kinderlosen bayerischen Kurfürst nachfolgenden pfälzischen Wittelsbacher Karl Theodor nach München kamen. Den verbindet man auch eher mit einem öffentlichen Platz, wie jetzt Jacko mit Orlando am Promenadeplatz: auf Karl Theodor geht der Englische Garten zurück. Das ist alles Landeskunde.

Wie sieht es aber gerade in der Musikstadt aus? Auf der Premierenfeier zu Marton Illes „Die weisse Fürstin“ als zweite Premiere der Münchener Biennale schwärmte ein Staatsopernmitarbeiter über den Fortschritt, den die kleine Zeltbühne der Oper auf dem Marstallplatz macht. Zwar steigen die Opernfestspiele erst im Juni/Juli. Wie auf der Wiesn müssen leichte Zelte in München aber Monate früher aufgebaut werden, Vielleicht ist es ja auch das heimliche „public viewing“-Zelt der Bühnenarbeiter zur Fußball-WM, etwas abgelegener vom Nationaltheater, das Bachler so streng mit Argusaugen auf sittsame Arbeitsmoral überwacht.

Die Premiere heute war mal wieder eher ein inner circle viewing als besonders „public“, auch wenn an jeder Litfassäule zuhauf Biennaleplakate prangen. Hat die Öffentlichkeit nun was verpasst? Wenn man den Besuchern zuhörte, bekam das ganze Spektrum zu hören wie: weniger schlimm als Maldoror von Philipp Maintz am Vorabend, viel konsequenter als jenes Stück, eine der besten Biennaleproduktionen aller Zeiten, langweilig, tief bewegend, so habe man Rilke (die Vorlage stammt von ihm) noch nie gehört, etc. Alles stimmt so ein wenig. Gut, Maldoror habe ich noch nicht gehört. Garantiert ist Maintz‘ Musik aber expressionistischer und komplexer aufgeladen als die Illis‘.

Marton Illis schreibt ja grundsätzlich eine Musik, die in ihrem Klangbaukastensystem wie ein Ligeti-Klangflächen-Derivat wirkt, ohne dessen Mikropolyphonie. Tatsächlich hat man meist zwei Stimmen, die dann clusterartig zugedeckt werden, oder zwei Klänge die gegeneinander geführt werden. Eine wahrlich blockhafte, klare und konkrete Sprache in ihrer Machart und Wirkung. Nur musiktheaterhaft war sie eigentlich nicht. Die hinter den Sängern und Sprechern platzierten Musiker wirkten wie ein Moviescore zum gesprochenen und gesungenen Rilke. Die Sänger waren sogar hier und da lauter als das in Klarinetten (sehr viele…)/Klavier/Schlagzeug auf der einen und Streicher auf der anderen Seite aufgeteilte Orchesterchen. Die Übergänge zwischen gesprochenen Text und gebrummelt-gesungenen Passagen des in einen solistischen Männerchor aufgespaltenen Dieners sind wirklich gemacht, sogar sehr sinnlich. Die Rollen sind überhaupt alle mindestens doppelt aufgeteilt, bis auf den Boten, der nur von einem Schauspieler gesprochen wird.

Das Stück scheint um eine alleingelassene Fürstin zu gehen, deren Mann sie zum ersten Mal seit der Hochzeit allein zurückläßt mit dem Personal (Diener und Zofen?). Sofort wird jugendstil-dekadent Walzer gesungen – mit Streicherglissandi gebrochen. EIn Bote kommt an, der von Krankheit und Gefahren aus dem Osten berichtet. Die Stimmung kippt. Die Fürstin ist wohl immer noch Jungfrau (wo ist der Mann wohl hin? Ins Leipziger Bordell?). Das Personal flieht vor der Krankheit, die Fürstin bleibt allein zurück als weisse Jungfer, weisses Gespenst.

Als sie gesteht, noch „unbefleckt“ zu sein, sind wir in einem Rotlichtfilm angekommen: die doppelten Frauen wälzen sich küssend am Boden. Der Bote fällt gleich zu Beginn ins Wasser, eine der Frauen auch mal, eine ertränkt sich am Ende in den immer wieder monochrom blau und rot angestrahlten Plexiglaswasserbecken. Da kommt mir eine blöde Idee: in Maintz Oper soll sich eine Frau auch zu Beginn mit Wasser übergiessen, hier planscht es gerne. Dann kommt bald die Amazonasoper – schon wieder Wasser. Hoffentlich bleibt es beim Motto „Der Blick des Anderen“, nicht daß es am Ende „Baden gehen“ heißt. Das wäre allerdings auch ein Titel. Man könnte die Leute zum Après-Oper an den Isarstrand laden, so wie die Urbanauten, die gerade um ihre Sommerstrände fürchten. Publikumsmässig wäre das allemal für die Biennale ausbaufähig.

Nun, die stärksten Momente waren heute immer dann, wenn die Sängerinnen zögerlich die Bühne nach hinten zu den Musikern verliessen und konzertant von Pulten aus sangen. Lesefreundlich war das Licht dort dann eher gelb als das Weisse-Fürstin-Weiss der Bühne. Das machte schon die reine Musik zum Ereignis im Gegensatz zu den Frauenküssen, da küssten uns einfach die Frauenstimmen… Der erste Fehler der Regie lag schon im Beginn: zum Einlaß schauten die Darsteller trotzig von der Bühne auf das hereinkommende Publikum, ein offener Anfang. Der Lärm schwoll an, senkte sich mit der Lichtstimmung. Und nun, Erwartung. Aber es kommt der Dirigent und läßt sich applaudieren. Sofort ist die Szene futsch. Dann kommt der Bote grandios stammelnd, aber in stadttheaterbilliger UPS-Kluft auf die Bühne, etc. Höhepunkt sind dann die Erste-Hilfe-Nachfüllpackungen an Mundschutzen und Chemiearbeiteroveralls. Der Münchern Feuilleton-Hautevolée lauschend fiel dann der Wunsch im Gedankenexperiment, ob das Stück z.B. unter der Regie von Jossi Wieler gewonnen hätte. Das hätte natürlich Vieles Wettmachen können. Letztlich lag es aber auch an der Musik, so konsequent sie auch ist. In ihrer Klarheit war sie eben Filmmusik des gepflegten Jugendstil-Psychoanalyse-Grauens, glitt trotz wundervollen Schnittstellen immer wieder ins reine Sprechtheater ab, hielten die vielen Pausen die Spannung nicht, gab es viele kammermusikalische Aufmerksamkeiten (unglaubliche fünf- bis sechsstimmige tiefe Klarinettentriller – gleich als Nachtrag ins Instrumentationsbuch von Berlioz/Strauss!). Und letztlich bediente sich die Musik dann doch wieder im Klischeeladen der Neuen Musik der Cluster und Klangflächenzeit der 60er Jahre des 20. Jahrhunderts. Da half die ganze konsequente Kargheit nicht, sie blieb immer Bühnenunterstützung, bis auf die konzertanten Notenständersoli der Frauenstimmen.

Wenn sich also eine Zweite Moderne herausgebildet haben sollte: im Carl-Orff-Saal beginnen Opern der Biennale immer mit einem Bumm, dann lange Pause. So bei Hosokawa, bei Lang, bei Illis… Also, sie kommt in die Jahre, die Biennale. Jetzt ist sie 22 Jahre alt! Ich musste so heute auch an die ersten, oft etwas lahmen Puppentheater denken, aber da nahmen Eggert und Widmann ihren Anfang. Im Carl-Orff-Saal sah ich 1990 die Premiere von Boses „63 Dream Palace“, eine Musik, expressiv, dennoch zurückhaltend, Revueelemente, Passacaglien, Drama, Geschichte, Gesangslinien statt dem heutigen Septen- oder Eintonsingsang. Man hatte Hoffnung, daß die Oper aus dem Carl-Orff-Saal in die Öffentlichkeit drängt. Fast jede Vorstellung ausverkauft, es gab nur Restkarten mit Warteliste. Und das in vielen Biennalproduktionen. Natürlich gab es später dann einen Rückgang an Produktionen, hatte sich erste Neugier gelegt. Dennoch gab es statt Rauschen im Feuilleton und Litfassäulen mehr Öffentlichkeit, die tatsächlich szenefremd kam. Heute ist es fast nur noch Szene oder interessiertes Publikum, was man zwar etwas geballter sieht als in Einzelveranstaltungen, aber doch die gleichen Gesichter wie immer hat. Das ist eine nette Gemeinschaft, ist aber doch ein wenig suhlen im eigenen Fett.

Ob es also dann mal Trauerflashmobs am Denkmal der Zweiten Moderne in 300 Jahren geben wird wie bei Orlando di Jacko?

Etwas zu pessimistisch scheinen Sie mir da doch zu sein, lieber Herr Horner!

Sie sagen: „Junge Menschen suhlen sich im 21. Jahrhundert in einer Kunstform des 19. Jahrhunderts.“

Nun, die Oper scheint ja doch noch eine Suhlwohlfühlgrube zu sein. Trotz Photoshop und Konzeptkunst malen manche Zeitgenossen immer noch, einige zehntausend Jahre nach Lascaux und Jahrhunderten nach Giotto, Monet und Co., seit den Sumerern wird heute immer noch geschrieben, seit über 2500 Jahren griechischer Tragödie und römischer Komödie gibt es immer noch das Theater, seit 120 000 Jahren Mousterien spielen immer noch Flöten eine Rolle. Wie jung ist da doch die Oper, als leicht ältere Schwester des Film. Also ist es doch erfreulich, wenn sich Komponisten der Kategorie jung (da wird man heute auch sehr alt, mit 50 ist man noch Nachwuchs…) damit herumschlagen.

Zurecht ist natürlich das „wie“ angerissen: „So etwas lächerliches, überkommenes, altbackenes und phantasieloses kann man wohl nur als “gelegtes und gehegtes” Akademie-Ei aus der Rihm – Komponisten – Legebatterie gut finden.“

Komponisten-Profs legen also Eier und es schlüpfen kleine Dinos. Jungs und Mädels unter 10 Jahren würden sich da wenigstens doch so manches müdes „süüüß“ zu sagen trauen. Phantasielos würde ich die Ergebnisse nicht unbedingt nennen, eher Versuche, Erstlinge, die jetzt nicht unbedingt Neues bieten (indifferente Psychofrauen, eine davon, gibt es z.B. schon bei Debussy im Pelleas, in Strauss‘ Salome, als einziges Wesen auf der Bühne in Schönbergs Erwartung), allerdings durch die Biennale-Struktur nach aussen als des Kaisers neue Kleider angepriesen werden (ich denke oft an „Zweite Moderne gleich die Avantgarde des polierten kulturpolitik- und feuilletonfreundliche Kulturmanagements“…). Eigentlich ist und war das ja der Sinn der Biennale, auch jüngsten opernaffinen Komponisten ein Experimentierfeld zu bieten, das sie auch schon mal Hochkulturluft schnuppern läßt. Mit jetzt hauptsächlich mit Staats- und Stadttheatern koproduzierten wenigen Stücken sind die Jünglinge sofort auf die grosse Festivalbühne wie die grossen Bühnen der Partner geworfen. Und das mit den Erstlingen! Da sind eigentlich mehr die Hochschulen gefragt, wobei die ihre Gesangsstudenten lieber mit Zweitlingen von Zeitgenossen traktieren sollten (grossartig in meinem Münchner Sumpf „Tre Sestri“ an der Theaterakademie!!). Ich selbst profitierte ja von solchen Trakturmöglichkeiten. Noch stärker sind aber die Grossen und Mittleren Häuser angehalten, jungen Komponisten Werkstätten zu bieten. Nicht als Kinderopern – da sollte man auch schon mehr Musikweisheit für die kleinen Opernbesucher mitbringen! Nein, als Werkstattbühnen, wo man auf ältere Profis trifft, die man überzeugen muß, die es dann sehr gut umsetzen können, die nicht alle virtuelle Studentenprofis sind, die aber dennoch in dem abgegrenzten kleineren Rahmen erste Sechzig- bis Neunzigminüter zulassen. Am Besten jedes Jahr zwei davon pro Haus! Was für ein Ausstoß wäre das, innerhalb von zwei Jahren hätte eine kleine Bühne wie Hof z.B. ein komplettes Biennaleprogramm, und das mal soviel, wie es eben noch Opernhäuser im Lande gibt plus all die freien Kleinstproduktionen. Da könnte man dann auch mal mehr als nur „Randbegabungen“ antreffen, fände leider auch viel Schrott, aber eben auch Juwelen, die die lahmende Mühle Oper neu belebten, auch und gerade besonders für jüngere und mittlere Erwachsene.

Wenn Sie sich jetzt auf Zimmermann beziehen: den kennen also am ehesten Leute, die Anfang der 70er Anfang 20 waren, also heute tatsächlich würdevoll silbern durch die Festivals touren. Garantiert war das für die damaligen Teilnehmer der ersten Aufführungen ein grandioses Erlebnis, das Maßstäbe für alle weiteren Opern setzte. Nun wissen wir ja, das die „Soldaten“ ein Werk über die Perversion des Kriegs und des Soldatenlebens in einer militarisierten Gesellschaft sind. Zimmermann erlebte als junger Mann ja 2. Weltkrieg und davor eine militarisierte Gesellschaft sowie die auch für mich in de 80ern als Pubertierender noch spürbare Angst vor dem Atomkrieg, alles reale Lebensechtheit für den Zeitkugler Zimmermann. Man vergesse auch nicht seinen Suizid – das wäre dann das Karriereziel?

Wie sollen nun aber meine Generation und die mir folgende Generation Stücke über Kriege aus eigener Lebenserfahrung, die wir keine hautnah erlebten, reihenweise nicht suizidal veranlagt waren oder von unseren Eltern frühzeitig zu Therapeuten gebracht worden sind, aktuell uns nur vor Klimawandel, der sich mal androht, dann wieder ein wenig in nächste Generationen in seiner Totalität vertagt wird, und Al Quaida oder schlichtweg Hartz IV fürchten, solche totalen, genialen aber leider auch vollkommen hypertrophen Stücke schaffen? Wie gesagt, die Therapieerfahrungen machen dann wohl die Wiener Schule-Psychofrauen wieder interessant. Hartz VI erwartet uns Alle sowieso in seiner Höhe als Sozialhilfe oder Grundsicherung im Alter, nachdem die letzten Groschen unserer reichen Mittelstandseltern in de Musentempeln verkleckert worden sind. Warum dann ein Solzialdrama schreiben, wenn das die Daily Doku Soaps schon machen, also keinen Wozzeck mehr. Oder doch Sozial-Operetten? Und zum Klimawandel – insgeheim freuen wir Prekariatskomponisten uns doch schon darauf, daß wir nicht wie unsere Jura-Abi-Kollegen soviel Geld für Fernreisen ausgeben müssen, wenn in 20 Jahren für uns dann Frührentner dann Hurghada am Starnberger See liegt. Und Al Qaida – manche Kulturpolitiker stellen uns sowieso schon in diese Ecke…

Es fehlen also Orte und Themen für unsere feuchten Opernträume? Wenn Opern und Festivals so öde weitermachen, Programmbestimmer sich nichts trauen, dann fehlen die Orte. Die Stoffe: ich hätte die Soldaten lieber immer als Komödie – als sarkastische – gesehen und gehört. Die Konzeption Zimmermanns, die Musik, die Polydimensionalität, Alles wirklich genial. Aber auch schon genial vorgekaut von Herrn Lenz! Ich finde, daß man davor zu ehrfürchtig erstarrt. Manche Kollegen klingen beim Raunen über Zimmermann so wie das frühe 20. Jahrhundert in Bezug auf Parsifal. Natürlich ist die Logistik dieses Stückes nach wie vor was ganz Besonderes für die Opernhäuser, aber auch immer sehr problematisch. Man kann natürlich die verrücktesten Dinge damit in Riesen-Ruhr-Triennale-Hallen machen. Nur: der ganz o.g. Jacko bewegte mit seinen Stadienshows durchaus mehr.

Warum sollen wir Jungen also diesen Orga-Wahnsinn weiterbetreiben? Wo doch auch kleinste Neue Musik in Theatern immer noch Schrecken verbreitet oder Nicht-Ernstnahme erzeugt. Also drängt es uns zu anderen Stoffen. Da wir aber nicht adäquat das Opernhandwerk erlernen können, bis auf ganz wenige Glückliche, sind dann so Biennaleerstlinge mal eher bunte oder öde Schrotthaufen als Würfe. Davon ausgehend könnten dann auch noch später schöne Sachen entstehen. Die zweite Chance für ein reiferes Werk versagt aber der Betrieb. Zweite Chancena haben dann nur Komponisten, die nicht weh taten. Ha – sogesehen werden Maintz und Illes garantiert bald Chancen bekommen. Jens Joneleit, der letzte Biennale mit seinem „Piero“ darf nun sich von Schlingensief verwursten lassen. Da wird Eggert nur stöhnen können.

Also eine Anekdote aus der Premierenfeier 2008 zum „Piero“: Über das Stück liesse sich durchaus streiten, die Musik zeigte schon kammermusikalische Begabung, ähnlich wie Illes. War aber wieder mal unkonkret und diffus als Bühnenwerk, aber das gilt ja als modern im Sinne von „kompatibel“. Nun, nachdem wie üblich die Münchner Premierengäste sich bei des Festivalsleitersrede lauthals weiterunterhielten, erzürnte sich der Frankfurter Opernintendant Loebe – eigentlich zurecht – und wurde zum Löwen, als der er die bayerische Wurstigkeit tadelte. Wirklich aufhorchen ließ mich aber folgender Satz: Jens Joneleit sei bei aller Begabung und implizierter Rihmhaftigkeit (so NICHT gesagt, aber zwischen den Zeilen hörbar) v.a. ein Künstler, der sich mal was sagen liesse. Nehmen wir nun Zimmermann als Gegenpol: also ist Joneleit ein Künstler, der sich wunderbar vom öden Opernbetrieb formen läßt. Sprich: nicht der Komponist schreibt die Oper, nein das Festival, das Haus wird kuratorisch zum Konzeptkünstler und läßt eben mal so nebenbei die Dienstleistung „Komposition“ zu. Jens Joneleit, den ich selbst wirklich bemerkenswert finde, als einer, wo die Institution „Neues“ machen kann, was man eben so indifferent darunter versteht (langsam, leise, ein bisschen Singsang, viel Sprechen, keine inhaltliche Stellungnahme die über Grundkurs Psychologie hinaus geht, Geräusche, Nonen und Septen, Erinnerungen an Lachenmann, Nono und Berg, gründelnd, aber nicht verstörend, auch wenn man sich dann „verstört“ nennt) aber bitte nicht vom Neuen wirklich heimgesucht wird. Neue Musik als Kyrie, welches credoartig vor der bösen Zeitgenossenschaft bewahren soll, als Zeitungs-Gloria der Moderne oder des zumindest mal wieder gewagten Bußübungsrital „Musiktheater“.

Tja, so wird es immer weiter bachab gehen, wenn nicht mal wieder existentielle Nöte jenseits von Hartz VI oder Privatinsolvenz oder Liebesverlust uns Schreiber heimsuchen werden oder man uns trotzdem zutraut, Existentielleres zu wagen. Das gelingt aber wohl eher in Drittlingen, als den maßlos überschätzten Erstlingen. Sogesehen haben Sie vollkommen Recht, lieber Fred Horner. Und den Zimmermannnachfolger gibt es vielleicht doch irgendwo. Der wird aber bei diesen Strukturen nur weiterkommen, wenn er mal an der Börse so ein paar Millionen einheimst, um dann in alten Stahlwerken alles zum Drehen und Wackeln zu bringen.

Oder sollte Herr Schlingensief der Nachfolger Zimmermanns sein? Das ist er aber auch nicht. Er ist garantiert ein adäquater Nachfolger eines Regiesseurs wie Schleef oder weiß ich wem, ich blöder Theaterbanause! Er kümmert sich bewußt um die Dritte Welt und kritisiert sich dabei wieder zugleich, meint es ernst und total unernst. Schöpft wohl aus existentieller Lebensangst, die ihm Klarheit verschafft. Aber selbst ihm würde als Komponist die Zimmermannsche Frontgrabenkampfangst abgehen, Joneleit wohl erst recht. Also laßt uns Zimmermann mal ein bisschen tätscheln und beseite stellen, Joneleit die Klauen schärfen, daß sich die Theater nicht nur vor Schlingensief fürchten.

Aber vielleicht haben wir ja schon einen Löwen unter uns, fauchen kann er ja: Wechselstrom alias Christian Theiler. Sein nun aufgeführtes Re-Entry scheint ja ganz gut zu munden, selbst die vorgeblichen Embryonalschnitzel scheinen dies ja zu tun, ganz im Gegensatz zu der deutschen Balkanexklave Österreich, wie man der FR entnehmen kann… Da scheint wohl auf eine doch leichte und sinnige Art und dennoch mit Schwere das Leben der Jetztzeit in seiner Banalität und doch für den Einzelnen persönlichen Tiefe verhandelt zu werden – Hut ab, Herr Theiler und Gratulation!!

@querstand,

Danke!
Kleiner Nachtrag zur Produktion:
Der Anfang spielt in einer grösseren Halle mit zwei Eingängen, das Orchester ist aufgeteilt in Streicher und Bläser, die jeweils Rücken an Rücken spielen. (Koordination erfolgte über Dirigentenkamera und Monitor).
Die Reichen kamen zum Eingang 1 herein und sahen die Streicher spielen, die Armen bei Eingang 2 zu den Bläsern.
Die Reichen zahlten 19,– Euro (viel zu billig), die Armen 9,– Euro.
Wer wohin gehörte war der Selbstdefinition überlassen, wurde auch nicht geprüft und/oder hinterfragt.

Erstaunlich, und das war nicht nur in der Aufführung, sondern vor allem beim Probenpublikum (HP und GP), das nichts zahlen musste, und das um die Hintergründe wusste so:
Die Reichen besetzten, obwohl der zur Verfügung stehende Raum mit der Kasse verstellt war sofort breitbeinig das ihnen zur Verfügung stehende Zuschauerareal, während sich die Armen traubenartig an der Wand herumdrückten und sich kaum einen Schritt zur Mitte hin bewegten.

Bescheidener Geldbeutel erzeugt bescheidenes Verhalten – das war kaum vorhersehbar und hat mich selbst erstaunt, verwundert und irritiert.

@ eggy:
wir alle wähnen dich bei aufsteigender Gesundheit und freuen uns.

Beste Grüße aus dem Labor

– wechselstrom –

ja, genau, über die siemenspreisverleihung wird noch zu sprechen sein…

@ Fred Horner: Habe das Gieleninterview auch schon gelesen, las auch das mal hier mit Luisi angeführte, etc. Meinen Tonhöhenglauben/-sehnsucht/-pessimismus gab ich vorher ja schon Ausdruck.

Ich denke aber auch, daß Gielen letztlich aus einem typischen Alterspessimismus heraus, vereinfacht als „früher war es besser als heute“, die Musikwelt beurteilt. So muß man das etwas vorsichtiger geniessen.

Genauso bedienen Sie sich auch des Feldman-Zitats, um generellen Pessimismus gegenüber dem jetzigen Musikleben zu simulieren. So tödlich sah Feldman sich wohl nicht. Generell hasste er aber dummes Publikum, das es schon zur Steinzeit wie in der Klassik, nach dem 2. Weltkrieg wie heute gab. Ich erinnere mich an eine Story, wo Feldman sagte, daß er immer sofort den Saal verlassen musste, sobald neben ihn jemand den Rhythmus mitklopfte, um dann sich mit einer Zigarette zu beruhigen. Es könnte natürlich auch die Nikotinsucht daran Schuld sein, daß er sich mit gestörter Konzentration nicht im weiteren Konzertverlauf davon ablenken konnte. Gerade der stille und so solitär wirkende Feldman hat immer einen doppelten Boden und eine doppelte Decke, also immer ein nach oben und unten, wohin seine Abgründe aber auch seine Bonmotlust verweisen.

Zurück zu Gielen. Seine Verdienste, sein Kampf, unbestritten herausragend! Die Tendenz IHRES Zitats ist aber wieder die gleiche: Musik nach dem 2. Weltkrieg, danach ein wahnsinniger Aufbruch, der uns direkt in die jetzige Klima- und Wirtschaftskatastrophe führte, also auch die jetzige Kulturkrise. Wenn man Ihrer Linie folgt, muß die heutige Kunst an die Zeit nach 1945 anknüpfen, an deren Aufbruch. Dies wird aber niemals einen neuen Aufbruch generieren.

Wenn wir einen Aufbruch wollen, dann müssen wir uns von jenem des 20. Jahrhunderts abwenden. Er brachte zwar wirklich herausragendes zustande, wie die von Ihnen angeführten Menschen B.A. Zimmermann und Feldman. Er führte aber auch durch die Hochindustrie, die jetzt den aufstrebenden Schwellenländern wütet, im Energie der Dienstleistungsgesellschaft samt ihrer noch vorhandenen Bildung und massenweisen Unbildung zur heutigen Unbill, die ganz ohne Weltkrieg nun auf uns hereinstürzt, wohl immer noch zu schleichend.

Da wäre also ein Aufbruch debkbar. Wenn der Aufbruchsgedanke sich aber nur immer auf den absoluten Fortschrittsgedanken und der selbstgenügsamen Kritik der Frankfurter Schule der Nachkriegszeit beruft, kreist es in sich und bleibt liegen bzw. wird die „Aufbruchs“-Formel zum reinen Kotau vor den alten Grössen und sich selbst.

Wie ist das mit den zarten Gewächsen von Aufbrüchen der letzten Jahre gewesen, wie z.B. alternative Energien? Just wo die Bundesregierung die Solarenergie nicht mehr fördern will, um klassische Arbeitsplätze zu retten, überholz China als Exportmeister UND Solarproduzent. Unser aller Obama setzt wieder auf Atomenergie und Ölprodukte. Uran wird in den nächsten Jahrzehnten genauso teurer und immer seltener wie fossile Brennstoffe, die Förderung der beiden immer riskanter für die Umwelt, wie man jetzt sieht, krieggenerierend (soll etwa aus einem Ressorcenkriegsdesaster dann ein neuer Aufbruch erfolgen?!?). So werden wir im Sinne des alten Aufbruchs natürlich Aufbrechende aus Asien erleben.

Im Sinne der Nachhaltigkeit aber nicht, wenn wir mutlos und wie Sie samt Gielen und Luisi resignierend an diesem Aufbruchsgedanken hängen bleiben, der durch eine Katastrophe entstand und in die nächste führte. Zwar verhielt sich die Neue Musik jener Zeit immer kritisch gegen ihre Zeit, nur ist diese „Haltung“ genauso erstarrt und abgründig, wie das, wogegen sie sich wandte.

Ein heutiger Aufbruch wird sich also ganz anders verhalten, als der damalige. Er ist viel kleinteiliger und regionaler, so wie es die heutige alternative Energie und ihr Badarf an Vernetzung ist. So sind auch und gerade wegen der Zensuren und Missbräuche die virtuellen Netzwerke ein Aufbruch, mit denen man auch als Nicht-Mächtiger der Politik oder Medien auf Missstände hinweisen kann, Komponisten wie hier direkt in die Öffentlichkeit verbal treten können, Demokratie einfordern, wo bis jetzt immer noch Kuratoren- und Juryoligarchie herrscht.

Gut, ich teile Ihre Sorge schon auch, daß das Wissen der alten Tradition der Musik immer mehr verlustig geht, eben dadurch auch mein Steckenpferd,das Tonhöhenbewusstsein, leidet. Und es dazu einer Neubesinnung bedarf. Aber bitte keinen Aufbruch aus dem Magen des Vaters aller Dinge heraus, aus einer Kriegskatastrophe.

Irgendwie erinnern Sie mich an Menschen, die einen ständig zu Christus bekehren wollen, damit man die Apokalypse überlebt. Da geben sich diese evangelikalen Christenmenschen immer ganz menschenfreundlich und offen. In Wirklichkeit nehmen sie aber in ihrer Hoffnung auf das Ende der Welt in Kauf, daß alle anderen Menschen in diesem Aubruch in die Ewigkeit mit ihrer Existenz büssen… ich hoffe, Sie wünschen uns nicht den Tod durch einen kriegerischen oder umeweltbedingten Aufbruch aus einer Katastrophe heraus. Das sollten Sie in Ihrem Pessimismus mal bedenken und nicht immer sich auf dem Grabtuch düsterer Zitate ausstrecken!

Hi All,

es gibt in der modernen Opernliteratur in gewisser Weise ein – ich nenne es „Musikandenstadel-Problem“ – Im eigentlichen Sinne ist es ja kein Problem, vielleicht ein Problemchen.

Eins:
Ich habe – 15 Jahre ist es her – im Selbstversuch (zusammen mit Freunden) den Musikantenstadel von vorne bis hinten ohne Unterbrechung im TV angeschaut, um die vormaligen Urteile, die ja Vorurteile waren einer Überprüfung zu unterwerfen.
Ergebnis: Perfekte Dramaturgie des ungebremsten Frohsinns.
Ich musste den öligen Geschmack, der zurückblieb mit zwei Whiskey hinunterspülen.

Zwei:
Natürlich habe ich auch meine heimlichen Leidenschaften, z.B. höre ich gerne diese Gipsy-Musik – Bregovic, Kocani-Orchester u.a. – In den Zeiten, als ich noch in einer WG lebte, habe ich das vor allem in den frühen Morgenstunden (also ab 10.00Uhr) aufgelegt – es verbreitete allgemein eine gute Stimmung auch unter den anderen Mitbewohnern, bis zu dem Augenblick, als eine serbische Mitbewohnerin in die Küche schlurfte, mit der Bemerkung, man möge das abdrehen, sie kenne das seit ihrer Kindheit aus dem Radio ihrer Großmutter und war schon damals immer genervt …

Drei:
Nicht lange ist es her, da unterhielt ich mich mit einem jüdischen Freund über eine gemeinsame Bekannte, die sich leidenschaftlich mit Klezmer-Musik beschäftigte.
Während ich einwandte, dass das doch sehr angenehm zu hören sei, drehte mein Freund die Augen himmelwärts mit der Bemerkung, für ihn sei das etwa so wie für mich der Musikantenstadel.

Vier:
John Adams ist ein Vertreter des gleichen Phänomens in der Operwelt, und während ihn die einen lieben, und gar nicht genug davon hören können, greifen andere zur Flasche und spülen den komischen Geschmack hinunter.

Beste Grüße aus dem Labor

– wechselstrom –

@ Sebastian Lindner
— hicks —

@querstand

Ich möchte mich erst einmal für die Ausführungen bedanken. Der ausführliche Text ist wirklich eine Horizonterweiterung im originären Sinn. Von Zimmermann, dessen Orchesterwerk „Stille und Umkehr“ ich sehr schätze, würde ich auch sehr gerne einmal die „Soldaten“ live erleben. Leider scheitert da die Umsetzung wohl an den Möglichkeiten „normaler“ Stadttheater.

Das von Ihnen so treffend beschriebene Experiment zwischen
Musik, Text und Szene habe ich vor Jahren einmal, zumindest für meine Sinne, vollkommen und unvergesslich
einglöst miterleben dürfen. Es war die Premiere der
Oper „Macbeth“ von Salvatore Scarriono bei den Schwetzinger Festspielen. Unvergessen ist mir jedenfalls die von Achim Freyer gebaute Bühne. Er nutzte das alte
Rokkokotheater und schob seine Darsteller wie Schachfiguren durch den Raum, zum Teil auch die Wände hoch.
Das alles in der seltsam, nachtwandlerischen Musik, in
der Macbeth quasi von seinen furchtbaren Träumen eingeholt wird. Obwohl das nun fast 8 Jahre her ist, sind da immer noch Bilder und Klänge in der Erinnerung.

Ich erinneren mich auch, dass Scarrinos Musik keinen Takt „laut“ wurde, aber trotzdem einen intensiven
Sog entwickelte, wie der von Ihnen so treffend beschriebene ICE von John Adams.

@ Später zu TILT des Amazonas-Biennale-Projekts, jetzt erstmal „Dumme Software, gestern…“

Erstmal ein dickes „Sorry“ für die zuvielen Kommentare. Die Blogsoftware mag wohl mehr als drei Verlinkungen nicht schlucken.
Na, und dann versagte wohl öfters meine Hardware im Hirn: Schachtners Musik vergessen, Moritz zum Schamanen bei Schedls TILT gemacht, Trema mit Pnima verwechselt… Das liegt wohl daran, daß es um mich herum immer noch bebt: gestern Schedls Subwoofer, der Fernseher meiner schwerhörigen Nachbarin und ihre vorzugsweise mittags hüpfenden Enkel, dummer Alltag! Dazu höre ich in meinem Job derzeit immer Stories von Chiledeutschen und italienischen Saisonarbeitern über Erdbeben – ein Mensch erzählte tatsächlich von einer Flucht von Haiti zu Freunden nach Chile. Von dort verschlug es ihn dann nach München… das sind mal Geschichten! Da kann natürlich mein derzeitiges biennalöses Abendprogramm mit meinem Tagesprogramm kaum mithalten. Nun, vor lauter Beben hatte ich wohl den zitternden alten Mann aus Pnima vor Augen, was dann bei dessen und meiner Kunden Notlage zu Trema sich verdichtete, welch Trauma!

Jetzt schrieb ich ja von „gestern“ und Schedl, wo doch erst „heute“ die Premiere sein wird. Ha – moi, le compositeur en blog, je suis le mal et la future? – … die Biennalekrankheit wohl. Ich wandelte gestern durch einen Wald und hielt mich just für Maldoror, so böse Gedanken kamen mir da, es war wohl ein Urwald im 2 Teil des Amazonas-Projekts. Und ich hielt mich für einen komponierenden Maldoror, mit einer Zeitmaschine im iphone-Format in der Hosentasche… Na, das macht mich wohl impotent, so dass mir hier gar nichts mehr einfällt… Nein, ich bin Teiresias… das ist wohl die falsche Oper, keine Antigone, ich kein Hellseher – ich wäre so gerne einer von denen in „300“ gewesen, wenn der spartanische König auf dem Berg seinen Bauch zeigt, also ich als Abs-Kontrolleur? Nun, reicht es aber, Leute! Erstaunlich, wie dieser Maldoror mich verfolgt und ich mich nun in einer mittagsschlafgeronnenen „écriture automatique“ versuche. Ich schein einfach grad‘ um den heissen Brei herum zu reden, drücke mich um einen Verriss eines Projekts, wo mir doch etlich wohlgesonnene Leute mitwirkten. Nun denn, die Abs (Bauchmuskeln) stramm angezogen, Luft geholt und losgelegt:

Es war die Generalprobe. Eigentlich schweigt man sich danach öffentlich aus. Sonst bekommt man Hauhe wie Klaus Umbach vom Spiegel mit seinem Generalprobenbericht vor Lachenmanns Premiere des Mädchen mit den Schwefelhölzern. Der Artikel war ja auch ein echt dummer Schwafelklotz… Und ich brabbel hier schon wieder, also nennt mich doch Klaus… aber dieser Name ist ja Klaus Schedl vorbehalten. Und so hier die gute Nachricht zuerst, die der Unterhaltungskurve des gestrigen, heutigen und des nächsten Abends absteigend folgt.

Klaus Schedl ist mit seiner Musik zu seinem Beitrag TILT des Amazonas-Projekts der Münchener Biennale das bisherige musikalische Opernhighlight gelungen, abgesehen natürlich von den fünf Kurzopern der Müller-Wieland-Klasse. Klaus‘ Musik beginnt zuerst rein elektronisch. Das Publikum sitzt längs auf geschätzten 50 m in der Reithalle, unter sich tatsächlich Subwoofer. Erst ein Rauschen, ein Ritsch. Textfragmente einer Reisebeschreibung des elisabethanischen Amazonaserstbereiser Raleigh, wie aus einem alten Transistorradio. Plötzlich rumst es wie ein Urwaldhochwasser aus allen im Raum verteilten Lautsprechern, der Klang wandert wie bei Stockhausen ständig ringsumher. Aus dem Wust schälen sich tatsächlich ausgehörte Einzelereignisse aus, die sich allerdings immer im Lautstärkebereich eines Schreis, ewiger Gitarrenplektrons oder c6-Klavierrepetitionen bewegen – letzteres erinnert doch an Lachenmann!?! Was den Klangwust vom Tonband betrifft, könnte man Klaus tatsächlich einen ffff-Lachenmann nennen! Später setzt dann pianopossibile – so heißt sein Musikerensemble – eher mit ff possibile ein. Die Instrumentalklänge elektronisch eingefärbt, verfremdet oder sogar rein elektronische Klänge auslösend. Immer ruhig und präzise von Heinz Friedl dirigiert.

Der Blick auf den Dirigenten gab aber einen anderen Grundeindruck des Hörens auch die Bestätigung: die Einzelereignisse, das dirigierte Tempo war durchaus immer an der oberen Temposkala zwischen Allegro non troppo und Prestissimo angesiedelt. Das Gesamttempo wirkte aber doch eher wie eine langgestrecktes Moderato, das immer mehr anschwoll. So könnte man den Amazonas dahinter vermuten, wenn der bergab fließt, wo doch die Reisbeschreibung Raleighs den Weg bergauf beschrieb. Also ein gewisser dramaturgischer Widerspruch. Dennoch ergab sich musikalisch auf alle Fälle ein Sog.

Der Inhalt: mehr oder minder beschränkte dieser sich auf die Beschreibung der Raleighschen Entdeckerfahrt von England in das Amazonasgebiet. Dieses wird als dicht, verschlungen, von blutrünstigen Einwohnern besiedelt geschildert, also als unnahbar, unwirtlich, dennoch schöne Goldarbeiten, reizende Frauen, der Entdecker zugleich angezogen und abgeschreckt vom unergründlichen Reichtum der Natur. Die gesamte Tour ist natürlich v.a. der Goldsuche, dem legendären El Dorado gewidmet, in harter Konkurrenz zu den Spaniern. Vor diesen die Ureinwohner vorgeblich zu schützen ist das Gesprächsthema mit den Eingeborenen. Die eigene Königin Elisabeth sei so gütig, die Freiheitsliebenden schützend, die mächtigste Person des Nordens, so daß sich das jungfräuliche Stromland dieser Jungfrau auf dem Thron einfach naturgegeben unterwerfen müsse, als Höhepunkt für die Penetrierung des Jungfräulichen durch den Mann Raleigh.

Das läßt an Chöre, Ballette, Arien denken… ein 3 Stundenstück. Klaus blieb aber nur eine knappe Stunde. Auch war daran gar nicht gedacht! Umgesetzt wird das durch drei Darsteller-Sänger hinter drei ganz selten auch diaphanen Leinwänden. Hauptsächlich sieht man die grossen Köpfe dieser drei. Mit Moritz Eggert war gleichsam Raleigh besetzt, Mafalda de Lemos war die Frau, das grüne Goldland, mit Christian Kesten der Ur-Einwohner. Die Rollen vermischten sich immer wieder, mal sangen und rezitierten auch die anderen Beiden den Text des Momentprotagonisten. Moritz gab damit sein Debüt als reiner Schauspieler und Sänger, was er ja in seinen eigenen Werken immer auch schon ansatzweise vollführte! Überhaupt gaben die drei diesem Teil des Abends ein konkretes Gesicht, was grosse Sympathie und Empathie bei mir auslöste, die mir für den Rest des Abends fehlte.

Bei Schedl gab es drei richtig optisch reizvolle Momente: die Musik entfaltete einmal die brutalste Kraft, als Eggert mit heftigsten Gesichtsverzerrungen – er könnte auch mal als Kabarettist auftreten – den immer ruhig blickenden, glatzköpfigen Kesten bedrohte. Eigentlich eine böse Verdoppelung von Szene und Musik, aber gut gelungen. Ein anderer Moment waren die roten Lippen von Mafalda des Lemos, deren Farbe von fremden Händen über das Gesicht verschmiert wurde, als man in Wald und Einwohner drang. Bei der Rede vom jungfräulichen Goldland und der jungfräulichen Königin Englands wird das Gesicht Mafaldas mit Goldfarbe geschminkt, wie das Gesicht Kate Blanchetts als „Elisabeth“ im gleichnamigen Film – der dann seine Preise v.a. für das beste Make-Up einheimste… Am Ende dann verflossen die Bilder der Drei in schneller Folge ineinander zu einem Crescendo der Musik, dessen Grundlage die Baudelaire-Vertonung Schedls von Fleur de Mal bildete – neben manchen Schreien vom Band konnte man den Komponisten hier mal wieder selbst rappen hören.

Fazit: eine wunderbar ausgehörte, kräftige und harte Musik Schedls, die dennoch insgesamt eine ganz eigene Zartheit im Raum der Zeit entwickelte, ein grandios und professionell abgeklärt musizierendes Team aus pianopossibile und Heinz Friedl, beeindruckende Darsteller Eggert, de Lemos und Kesten, bewegende Bilder. Insgesamt hätte das Tempo auch mal rasser sein können, die ewig großformatig projizierten Bilder machten optisch etwas mürbe, sobald da Ruhe eintrat, blickte man automatisch auf die Musiker. Szenisch etwas unfreiwillig unentschlossen. Immerhin ein Bild-Hörspiel als Ouvertüre zu den folgenden beiden Teilen seitens der Regie, der musikalische Höhepunkt des Abends gleich zu Beginn! Als Installation denkbar oder doch szenischer? Der erste Seheindruck sagte „vorproduziert“, im weiteren Verlauf wunderte man sich über die Mikroports, es war dann doch Alles live – Hut ab vor den gestressten Darstellern!

Sind wir immer noch bei der Biennale? Und was hat man gelernt? Du sollst nicht begehren deines Nächsten Gut! Richtig! Selbst wenn es ein Biennale-Auftrag ist. Schon Moses musste dieses Gebot medial verbreiten.