1. Als Drehorte kommen ausschließlich Originalschauplätze in Frage, Requisiten dürfen nicht herbeigeschafft werden.
\n3. Zur Aufnahme dürfen ausschließlich Handkameras verwendet werden.
\n4. Die Aufnahme erfolgt in Farbe, künstliche Beleuchtung ist nicht akzeptabel.
\n5. Spezialeffekte und Filter sind verboten.<\/p><\/blockquote>\n
All diese Forderungen stehen natürlich krass dem entgegen, was man mit Film als „Jahrmarktsmedium“ (womit er historisch begann) assoziiert: die „bells and whistles“ des Mediums, der Zauber, die Magie, die Täuschung. Einer der ersten großen Filmautoren war natürlich der hier auch schon erwähnte Georges M\u00e9li\u00e8s – seine aus dem Variet\u00e9 und der Zauberkunst entwickelten Spektakelfilme prägen bis heute das, was viele Menschen z.B. von einem Blockbusterfilm erwarten: ein gewisser Wunsch nach dem Staunen über unglaubliche Vorgänge auf der Leinwand ist uns allen bis heute geblieben.<\/p>\n
Um dieses Staunen zu erzeugen verwendet das Medium Film hunderte von Tricks: hierzu gehören spektakuläre Aufbauten wie sie z.B. der legendäre Set-Designer Ken Adam für viele James Bond – Filme verwendete (meistens für die Operationsbasis des Oberschurken) (widerspricht Dogma-Regel Nummer 1), CGI-Effekte oder Masken-, Animatronic, Gore-, „Bullet-Time“ wie in „Matrix“, elektronische oder analoge Filtereffekte wie sie in heute fast allen kommerziellen Filmen an der Tagesordnung sind (widerspricht Regel Nummer 5), sowie die Verwendung von gestylten und flüssig-eleganten Kamerafahrten mit z.B. steadycam, „establishing shots“, Zoom-und andere Effekte die den Zuschauer vergessen lassen, dass er Zuschauer ist und ihn sogartig in den Film hinein ziehen (widerspricht Regel Nr. 3).<\/p>\n
Weniger offensichtlich ist die Regel Nummer vier – wogegen das Verbot von „künstlicher Beleuchtung“ eindeutig zu obigem Themenkomplex gehört, scheint die Forderung nach einer „Aufnahme in Farbe“ fast einer Gegenlogik zu folgen. Aber nicht wirklich: Wer heutzutage einen Schwarzweißfilm dreht, verstärkt durch den bewussten Anachronismus eher die Illusion des Kinos, entweder durch Nostalgie (Woody Allen in „Manhatten“) oder durch Hommage an vergangene Formen der Unterhaltung („The Artist“, Oscarabräumer). Eigentlich fehlt hier noch – wenn man an „The Artist“ denkt – die Forderung: „Es muss sich um einen Tonfilm handeln“.<\/p>\n
Diese Dogmen sind also eine ganz bewusste Abwendung vom magischen Potential des Kinos. Wenn der Zuschauer dem Film aus einer wackeligen Handkamera folgt, die unverfälschte Bilder liefert wie sie die eigene heimische Videokamera oder inzwischen auch das Handy liefern könnte, gibt es keine eigentliche Distanz zwischen den Machern des Films und seinen Betrachtern. Allein die künstlerische Absicht, der Schnitt (hier interessanterweise nicht erwähnt, weil für die Erstellung eines Films essentiell) sollen im Mittelpunkt stehen. Das was erzählt wird, soll den Betrachter nicht bannen oder überwältigen, sondern ihn bewusst in der Rolle des Betrachters lassen, der seine eigenen Schlüsse ziehen kann.<\/p>\n
In der Musik könnte man hier vielleicht eine ungefähre Analogie finden, indem man die Musik von z.B. Mozart mit der von Wagner vergleicht. Bei Mozart stehen mit den Mitteln seiner Tonsprache gezeichnete lebendige, realistische und nachvollziehbare Individuen auf der Opernbühne, die sich zutiefst menschlichen Neigungen und Sehnsüchten hingeben. Auf der Bühne ist selbst bei „magischen“ Stücken wie der „Zauberflöte“ der eigentliche Fokus (und die Sympathie des Komponisten) bei den „einfachen“, unperfekten Figuren wie z.B. Papageno. Da eher die Melodie als die Harmonik im Vordergrund steht, wirkt vor allem der sprachliche Charakter der Musik, viele der Melodien kann man „nach Hause mitnehmen“, sofort nachsingen, nie fühlt man sich bedrängt oder am Kragen gepackt, es gibt kein Geheimnis außer der grenzenlosen Phantasie des Schöpfers dieser Musik, alles liegt offen.<\/p>\n
Bei Wagner dagegen geht es vor allem um „übermenschliche“ Sehnsüchte und allegorische Riesenphantasien: auf der Bühne stehen Götter, Geisterwesen und überlebensgroße Helden. Selbst wenn es vordergründig um menschliche Regungen wie z.B. die Liebe in „Tristan“ geht, werden diese nicht ohne riesig vergrößerte Symbolik der Opferung und der überhöhten Sehnsüchte präsentiert. Die Konzentration auf komplexere Harmonik und die Übertreibung aller Handlungselemente macht vieles für den Durchschnittshörer nicht mehr übersichtlich oder geistig nachvollziehbar – dieser gibt sich willenlos und hypnotisiert den endlos modulierenden schmachtenden Akkordfolgen hin, die nie zu einem Ende kommen und daher einen Sog erzeugen. Gewollt ist Staunen und Überwältigung – nicht ohne Grund widmete sich Wagner ausführlich der Bühnentechnik und suchte für seine Zeit moderne und raffinierte Lösungen der Umsetzung seiner Großvisionen. Wenn man es genau nimmt, hätte also Lars von Trier allein schon nach seinen „Dogma“-Forderungen nie und nimmer in Bayreuth arbeiten dürfen.<\/p>\n
Auch die „Neue Musik“ kennt „bells and whistles“, auch wenn sie vielleicht nicht so spekatakulär daher kommen wie im Film. Es gab schon immer „Spektakelstücke“, nicht erst seit der „Feuerwerksmusik“ oder der „1812-Ouvertüre“. Heute äußert sich dieses Spektakel sehr oft in Ideen, die die Musik durch Hinzufügung von außermusikalischen Elementen überhöhen sollen. So interessiert sich zum Beispiel bei einer Aufführung des „Helikopterquartetts“ eigentlich keine Sau für die tatsächlich gespielten Töne (das nudelt mehr oder weniger typisch Stockenhausensch und ohne musikalische Überraschungen vor sich hin, wenn ich das mal so sagen darf) sondern viel eher für das Drumherum: den außergewöhnlichen Spielort, die angewendete Technik, „schau mal, da fliegen jetzt die Hubschrauber, Liebes“ etc.. In der letzten Zeit ist eine Häufung solcher Spektakelstücke zu beobachten: Musik wird an ungewöhnlichen Orten aufgeführt oder mit „interessanten“ Attributen versehen: man spielt in malerischen oder abgelegenen Fabrikhallen, im Dunkeln, in Schwimmbädern unter Wasser, verwendet ungewöhnliches Instrumentarium wie Autos, Handys oder Feuerlöscher, etc.. All dies soll „Spektakel“ erzeugen, Aufmerksamkeit erregen, überwältigen.<\/p>\n
Die weiter gehende Forderung nach „keine Spezialeffekte“ könnte man erst einmal scheinbar einfach auf Musik übertragen, indem man auf erweiterte Spieltechniken verzichtet. Aber das ist vielleicht zu kurz gedacht, ist ja z.B. schon ein simples pizzicato oder ein tremolierter Gesangston ein „Spezialeffekt“. So müde ich selber des abgefuckten Spieltechnikfetischismus in der Neuen Musik bin, es gibt durchaus Stücke (wie z.B. Lachenmanns „Pression“) in denen es überzeugend gelingt Thema und Inhalt eines Stückes zu vereinen, dies komplett zu verbieten, wäre also vielleicht zu weit gegriffen (wie schon erwähnt: Das „Dogma“ verzichtet auch nicht auf den Schnitt beim Film, den es zuerst beim Film nicht wirklich als selbstständiges künstlerisches Mittel gab und sich erst entwickeln musste).<\/p>\n
Wenn man die ersten drei obigen „Dogma“-Regeln uminterpretiert also vor allem als Forderung versteht (und so sind sie meiner Meinung nach gemeint) auf jegliches Brimborium <\/strong>zu verzichten, auf alles, was von dem ablenken könnte, um was es eigentlich in der Musik geht, käme man vielleicht auf folgende, möglichst komprimierte Regeln:<\/p>\n 1. Kompositionen dürfen ausschließlich für Orte geschrieben sein, die für den Konzertbetrieb intendiert oder geschaffen sind. In der Praxis würde das heißen: Elektronische Musik ist durchaus erlaubt. Es wäre auch schwachsinnig, dies zu verbieten, das wäre genauso als ob man beim Film den Ton verbieten würde, der auch erst später kam, inzwischen aber essentieller, nicht mehr wegzudenkender Bestandteil ist (wie heutzutage der Einsatz elektronischer Mittel bei der Musik). Was aber nicht mehr erlaubt wäre, wäre der subkutane, überwältigende oder verborgene Einsatz dieser Mittel. Also keine 20 Surround-Lautsprecher mit schwurbelnden Klängen, die um den Hörer herumsausen, keine Musiker, die schwarz gekleidet (gähn) im Dunkeln stehen oder verborgen vom Publikum irgendwas auf ihrem Laptop anklicken, keine versteckten Effekte oder Aufmotzungen des Klanges.<\/p>\n In der Praxis würde das heißen, dass zum Beispiel bei der Verwendung eines Laptops dieser so aufgestellt werden muss, dass das Publikum jeden Mausklick sieht (eventuell müsste also sogar der Computerbildschirm auf eine Leinwand projiziert werden, damit nichts im Verborgenen stattfindet oder heimlich ein Sample nachträglich aufgemotzt wird). Oder ein E-Gitarrist darf kein geheimnisvolles Rack mit vorprogrammierten Effekt-Presets aufbauen, sondern muss dem Publikum klar machen, welchen Effekt er wann und wie auslöst (zum Beispiel durch Treten auf einen Fußschalter). Und genau diese Überwältigung sucht die neue „Dogma“-Musik nicht mehr – sie will vor allem erst einmal eines: rein musikalische Inhalte erzählen, ohne dass die verwendeten Mittel die einzige Botschaft sind, die im Vordergrund steht (frei nach McLuhan).<\/p>\n Moritz Eggert<\/p>\n
\n3. Die Musiker spielen auf der Bühne, frontal zum Publikum, nicht über oder unter oder neben oder mitten im Publikum.
\n4. Elektronisch verstärkter Klang wird durch maximal zwei Lautsprecher wiedergegeben, die sichtbar aufgestellt werden müssen, die einmal eingestellte Lautstärke darf während des Stückes nicht mehr verändert werden.
\n5. Die gespielte Musik muss stets live und ihre Erzeugung stets für den Zuhörer nachvollziehbar sein. <\/p><\/blockquote>\n
\nVor allem aber würden sich diese Regeln gegen die von mir ehrlich gesagt nicht sehr geliebten überambitionierten „Live-Elektronik“-Kompositionen richten, in denen die hochkomplexen Klangverfremdungen für den Hörer zum großen Teil nicht mehr nachvollziehbar oder sogar hörbar sind, er also mit Klang „überwältigt“ werden soll.<\/p>\n
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