Seit einigen Jahren macht der Eurovisionswettbewerb \u2013 und das ist erfreulich aus der Perspektive der Neuen Musik – wieder von sich reden. Nach einigen Irrungen und Wirrungen vor allem was musiktheatralische Elemente angeht (ein Stilmittel, das immer wieder auch die Saat der Redundanz in sich trägt, siehe zum Beispiel der unpassende Auftritt des Ensembles \u201eLordi\u201c vor einigen Jahren), präsentierte sich die neue Ausgabe in Oslo im Vergleich zu den Vorjahren extrem aufgeräumt, mit einer erfreulichen Neubesinnung auf Inhalte, Wagnis zum Experiment, und zu neuen, aufregenden Klängen, die auch wieder eine gewisse subkutane Reibung zuzulassen sich gestatten.<\/p>\n
Vorausgegangen war wie immer ein von den jeweiligen teilnehmenden Ländern ausgerichteter Kompositions- wie auch Interpretenwettbewerb. Deutschland ging mit einer amerikanisch\/dänischen Koproduktion, ein Werk mit dem bewusst schlicht gewählten Titel \u201eSatellite\u201c (auf deutsch: \u201eSatellit\u201c, also ein potentiell künstlicher wie auch natürlicher, sich in einer steten Umkreisung befindlicher Himmelskörper) ins Rennen. Als Interpretin wurde die junge Altistin Lena Meyer-Landrut ausgewählt. Die bisher in der Szene noch relativ unbekannte Künstlerin erwies sich schnell als Glücksfall für die Komposition, denn mit der ihr eigenen Natürlichkeit definierte sie einen reizvollen Kontrast zu der hoch anspruchsvollen Partitur, deren rhythmische Feinheiten auch den verschiedenen Länderjurys nicht verborgen blieb.<\/p>\n
Da am Abend auch die Leistung der Interpreten bewertet wurde, wartete man zu Recht mit Spannung auf den Verlauf des Abends, auch wenn \u201eunser\u201c Werk sich in den Vorausscheidungen schon recht eindrucksvoll geschlagen hatte. Wie immer war der Abend in einen performativen Kontext gesetzt. Das machte sich durch aufwändige Computeranimationen bemerkbar, die die Werke in einer Art digitaler goldener Wolke vorankündigten, wobei sich jeweils die Umrisse einzelner Länder erkennen ließen. Der tiefere Sinn dieser Computerinstallation des norwegischen Künstlers Dan Klopstock blieb jedoch verborgen, zu fadenscheinig drängte sich hier eine vordergründige politische Aussage dem Betrachter auf \u2013 dass wir in unseren eigenen Ländergrenzen quasi Gefangene eines fremdbestimmten Inhaltes sind, hätte sicherlich auch auf weniger plakative Weise ausgedrückt werden können.<\/p>\n
Auf alle Wettbewerbsbeitrräge diskursiv einzugehen verbietet der Respekt vor der Geduld unserer geneigten Leser, hervorzuheben sind allerdings zum Beispiel der bewusst auf aktuelle Tendenzen in japanischer bildender Kunst eingehende türkische Beitrag des Ensembles \u201eManga\u201c (sic!). Auf eindrucksvolle Weise wurde hier mit einfachen theatralischen Mitteln die Menschwerdung der Maschine dargestellt. Erinnerten erste Momente mit Einsatz von Kreissägen als Klangerzeuger an protodestruktive Aspekte in der Arbeit des österreichischen Künstlers Wolfgang Flatz, so entpuppte sich dies schnell als ironische Irreführung des Blicks des Betrachters. Aus dem Metall schälte sich am Ende die unschuldige Nacktheit: Die aus Industrieabfällen sich gleichsam selbst entpuppende Aphrodite als Tänzerin war vielleicht einer der eindringlichsten visuellen Momente des Abends.<\/p>\n
Der belgische Beitrag \u201eIch und meine Gitarre\u201c wiederum wusste durch eine dialektisch einwandfreie Überwindung der Grenzen von Sprache zu überzeugen. Wo beginnt das ich, wo endet die Gitarre? Nur durch eine Verschmelzung verschiedener Bedeutungsebenen kann Klarheit erlangt werden, was hier durch eine behutsame Deutung des Elements einer \u201eSolitude\u201c im Hegelschen Sinne, verkörpert durch einen einsamen Sänger mit eben dieser Gitarre, überzeugend dargestellt wurde. Der Schrei des Einzelnen nach Liebe bleibt letztlich unerfüllte Utopie, das wurde hier fast überdeutlich.<\/p>\n
Ebenso Identität verhandelnd: der serbische Beitrag \u201eOvo je Balkan, der das verzweifelte Ringen einer Region um kulturelle Identität in Zeiten einer zunehmenden Verwischung des Geschlechterbegriffes anschaulich zum Ausdruck brachte, dargestellt durch einen seine Androgynität als Verletzung im Sinne des Beuysschen Begriffs von \u201eZeige Deine Wunde\u201c ausstellenden Sängers. Ein Beitrag der wieder einmal die Dringlichkeit einer osteuropäischen Perspektive in heutiger Musik betonte.<\/p>\n
Der von der Arbeit von \u201eLa Fura dels Baus\u201c beeinflusste spanische Beitrag litt unter einer plumpen Einbindung des Publikums, hier in der Form eines überraschend zur Performance gebetenen Zuschauers, der dann \u2013 scheinbar ordnungskritisch motiviert \u2013 zur Schau gestellt von einer Art \u201ePolizei\u201c \u201eabgeführt\u201c wurde.<\/p>\n
Doch dann endlich: L. Meyer-Landrut! Die Regie von S. Raab wusste in ihrer Zurückhaltung zu überzeugen. Das Motiv des Umkreisens, das sich schon in der wiederholten Textzeile \u201eLove, Love, Love\u201c, also \u201eLiebe, Liebe, Liebe\u201c, äußerte (wo sich eine lingua repetitiva derart geriert, wird sofort schmerzlich eine Leerstelle deutlich \u2013 ein fantastischer Einfall der Autoren) wurde ganz sinnbildlich durch eine fast statisch agierende Sängerin die durch einen nahezu unsichtbaren Hintergrundchor, dessen Position sich alle paar Sekunden unmerklich änderte (ein virtuelles \u201eDurchmessen\u201c des Raumes), in einer Art \u201eunfassbarer\u201c Heterophonie begleitet wurde. Parallelen zu den besten räumlichen Kompositionen von etwa Stockhausen (\u201eGruppen\u201c) oder Nono (\u201ePrometeo\u201c) wurden hier ganz offensichtlich, womit dieses Werk in den Kontext einer Tradition der zentraleuropäischen Moderne rückte \u2013 eine nicht ganz unheikle Vorgabe, an der schon manch anderer (direkt vorher zum Beispiel der englische Beitrag des Ferneyhough-Schülers Winston Smith) gescheitert war.
\nDas Moment des Kreisens wurde durch die Beschränkung auf einen modal durchmessenen Tonraum von ca. einer Quinte überdeutlich \u2013 tatsächlich verließ Meyer-Landrut diesen Tonraum nie, außer in einigen sprachgesangartigen Einwürfen, die von ihr höchste Virtuosität abverlangten (z.B. \u201eHello, Oslo!\u201c, ein besonders eindringlicher Moment, in der die Sängerin aus der Rolle der Vortragenden gleichsam heraustrat).<\/p>\n
In der Pause vor der Verkündigung der Länderbewertungen blieb Meyer-Landrut durchweg in ihrer Rolle \u2013 ihr quasi Oehrings Taubstummenarbeiten zitierendes \u201eI heart you\u201c \u2013 nicht etwa \u201eich herze dich\u201c, wie man es falsch aus dem Englischen übersetzen könnte (so ist diese Satzkonstruktion im Englischen auch nicht möglich), sondern eher \u201eIch \u2013 Herz \u2013 Du\u201c, also eine nicht aufzulösende Dichotomie der Liebe \u2013 blieb auf dem hohen Niveau ihre vorherigen Darbietung. Es war also nicht überraschend, dass ihr Beitrag von fast allen Juroren mit der höchsten Punktzahl versehen wurde \u2013 eine kluge Entscheidung, die dem Niveauverlauf des Abends gerecht werden konnte.<\/p>\n
Vorgestern kehrte Frau Meyer-Landrut in ihre Heimatstadt Hannover zurück, um sich dort mit einem Trakl-Zitat (\u201eVerdammte Axt, einfach geil\u201c, eine Zeile aus dem apokryphen Gedicht \u201eIch scheiß dir in die Augen\u201c) im goldenen Buch der Stadt zu verewigen.<\/p>\n
Und wir vom Bad Blog of Musick sind froh, dass sich auch in Zeiten der Krise immer noch zeigt, dass unser Land nach wie vor führend im Bereich der Neuen Musik ist. In L. Meyer-Landrut ist uns auf jeden Fall eine starke und bestechende Interpretin erwachsen, die auch in Zukunft noch von sich hören lassen wird \u2013 vielleicht das nächste Mal in Donaueschingen oder Witten? Es wäre uns zu wünschen!<\/p>\n
Moritz Eggert<\/p>\n