{"id":11761,"date":"2015-04-26T13:16:39","date_gmt":"2015-04-26T11:16:39","guid":{"rendered":"http:\/\/blogs.nmz.de\/badblog\/?p=11761"},"modified":"2015-04-26T13:22:09","modified_gmt":"2015-04-26T11:22:09","slug":"copy-and-paste","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/blogs.nmz.de\/badblog\/2015\/04\/26\/copy-and-paste\/","title":{"rendered":"Copy and Paste."},"content":{"rendered":"
\"Foto:<\/a>

Foto: NMZ<\/p><\/div>\n

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Copy and Paste<\/p>\n

Gerade übe ich zwei Stücke von György Kurtag, einem ja durchaus spielenswerten Komponisten. Wie bei Kurtag häufig sind es kurze, komprimierte Sätze eher minimalistischen Charakters. Wie minimalistisch stellte ich beim Üben schnell fest: Kurtag verwendet in einem Satz jedes der beiden Stücke exakt den gleichen Klavierpart! So als ob er ihn einfach aus dem einen Stück herausgeschnitten und in das andere eingefügt hat (wen es interessiert, es handelt sich um die Passacagliabegleitung aus \u201eHommage a R.Sch\u201c (gerne im Musikerjargon auch \u201eHommage Arsch\u201c genannt) und den 6 Stücken für Posaune und Klavier).<\/p>\n

So ein Erlebnis habe ich nicht das erste Mal. So stellte ich zum Beispiel einmal fest, dass der Klavierpart in den \u201eHölderlin-Fragmenten\u201c für Bariton und Klavier von Rihm und seinem \u201eKlavierstück Nr.6 (Bagatellen) teilweise identisch ist. David Lang wiederum ging noch einen Schritt weiter: Seine Kurzoper \u201eJudith und Holofernes\u201c besteht aus exakt derselben Musik wie sein Stück \u201eAre you experienced?\u201c, nur leicht uminstrumentiert und ohne den Sprecherpart.<\/p>\n

Nun bin ich vielleicht altmodisch oder habe eine übertriebene Arbeitsethik, aber irgendwie hinterlassen solche Entdeckungen bei mir immer gemischte Gefühle. Ja ich weiß, spätestens seit Stockhausen und Rihm spricht man bei Komponisten nicht mehr von einzelnen Werken, sondern von \u201eWerkkomplexen\u201c, und da darf und soll sich alles aufeinander beziehen und durchdringen. Da sich eh keine alte Sau ständig alle Stücke hintereinander anhört, wird damit gewährleistet, dass sie durch die ständigen Selbstzitate immer ihr \u201eTrademark\u201c haben, also immer der aktuelle eigene musikalische Stil korrekt abgebildet ist. Hier gibt es auch eine Parallele zur Kunstwelt, in der ähnliche Ideen gerne ganze Bilderserien befeuern, da man dann einfach mehr Geld verdienen kann als mit Unikaten.<\/p>\n

Und klar, es wird dann immer das Beispiel von Bach gebracht, der ja auch mal eine alte Kantate unter neuem Titel benutzte, um sein wöchentliches Pensum überhaupt noch bewältigen zu können. Und bei Mozart wiederholen sich ja auch Melodien. Und bei Schubert. Und, und, und.<\/p>\n

Wer aber genauer hinschaut, wird merken, dass Bach sehr wohl zwischen seinen \u201ehandwerklichen\u201c Aufgaben (zu denen die wöchentliche Kantatenkomposition sicher gehörte) und seinen ambitionierteren Werken zu unterscheiden wusste. Bei letzteren strebte er definitiv höchstmögliche Qualität und Individualität des Ausdrucks an. Und die Wiederholungen bei Mozart und Schubert sind zum Teil eher intuitiv, einer ähnlichen Stilistik geschuldet oder schlicht und einfach unabsichtlich. Wir können davon ausgehen, dass weder Mozart noch Schubert aufgrund ihrer jeweiligen Lebenssituation ständig ihren gesamten Werkkatalog als Bibliothek verfügbar hatten. Interessant sind zum Beispiel auch die kleinen Ungenauigkeiten bei Sonatenreprisen beider Komponisten, die eindeutig belegen, dass die Themen aus der Erinnerung geholt und nicht etwa noch einmal abgeschrieben wurden. Und wenn in einer tonalen Tonsprache mit einer überschaubaren Varianz von Akkorden und Melodien etwas mal gleich klingt, kann es auch einfach mal Zufall sein, wie zahllose unbeabsichtigte Plagiatsfälle in der Popmusik zeigen.<\/p>\n

Mit den Mitteln heutiger Technik sind die Möglichkeiten des \u201eCopy and Paste\u201c \u2013 Prinzips aber ins Unermessliche gestiegen. In den 80er Jahren wurde gerne noch mit kopierten Partiturschnipseln und Uhu gearbeitet (wenn man mal bei den Verlagen nachfragt, ist man erstaunt, wie viele Orchesterstücke eigentlich eher Kollagen immer desselben Materials sind), inzwischen reichen wenige Klicks bei Sibelius, um komplexeste Passagen auf simple Weise anderswo einzufügen, zu transponieren oder gar zu transformieren. Man kann davon ausgehen, dass diese Features sehr, sehr viel genutzt werden, vor allem von jungen Komponisten, die eine möglichst große Ausbeute bei Wettbewerben erhoffen. Früher fiel es nämlich schon mal auf, wenn in einem Streichtrio plötzlich in der Bratschenstimme stand: \u201emit Klavier koordinieren\u201c, auch wenn gar kein Klavier mitspielt. Wiederverwertung halt, man hatte einfach ein anderes Stück zerschnitten und in mehrere Stücke aufgeteilt.<\/p>\n

Nichts gegen Wiederverwertung und Recycling \u2013 die Frage ist aber doch: Wie viel Recycling brauchen wir eigentlich in einer mit Musik ohnehin schon zugemüllten Welt? Müssen wir wirklich den allgemeinen Uraufführungswahn damit befeuern, dass wir uns gar nicht mehr so richtig bemühen und einfach dasselbe Stück immer wieder verkaufen? Brauchen wir überhaupt unambitionierte Musik, wenn es doch schon so viel davon gibt? Müssen wir in der freien Kunst dieselben Gesetze befolgen, die aus Musik ein Produkt macht, das \u201eabgeliefert\u201c wird? Gerade deswegen ist ja das Beispiel mit Kurtag so erschütternd \u2013 hier ist ein Komponist, der ohnehin schon erfreulich zurückhaltend ist mit seinem Werkausstoß und lieber auf Qualität als auf Masse setzt. Und dann muss der auch kopieren? <\/p>\n

Bearbeitungen sind da irgendwie etwas anderes, denn diese sind ja als solche gekennzeichnet und betreiben keinen Etikettenschwindel. Und klar, hier ist der Komponist vornehmlich \u201eHandwerker\u201c, der etwas für eine andere Aufführungssituation passend macht. Aber man denkt dann eben auch nicht, dass hier etwas genuin Originelles geschaffen wurde. <\/p>\n

Ich bin kein Moralapostel und auch nicht scheinheilig, dennoch kann ich wahrheitsgemäß sagen, dass ich noch nie ein Stück zweitverwertet habe. Und das aus einem ganz einfachen Grund: es macht mir keinen Spaß. Für mich besteht der Spaß beim Komponieren vornehmlich im Erfinden, das hält mich bei der Stange, das interessiert mich. Jedes Stück braucht auch seine eigenen Lösungen, braucht seinen eigenen Ton. Für mich ist es nicht dasselbe, eine Hommage an Robert Schumann für Trio oder ein Stück für Posaune und Klavier zu schreiben. In gewisser Weise bin ich auch zu faul, bei mir selber abzuschreiben. Ich finde es ehrlich gesagt wesentlich mühsamer, bei mir selber die richtige Stelle in einem anderen Stück herauszusuchen und diese dann dort einzufügen wo es passt \u2013 schneller geht es, etwas Neues zu erfinden.<\/p>\n

Allerdings gibt es Arten von Musik, bei denen man gar nicht merkt, ob hier und dort was eingefügt wurde, denn es ist ab einer gewissen Komplexität eh wurscht. Oder ab einer gewissen Textmasse. Vielleicht schaut man heutzutage auch generell nicht mehr so genau hin, weil es eh viel zu viel von allem gibt.<\/p>\n

Gerade übe ich übrigens zwei Stücke von György Kurtag, einem ja durchaus spielenswerten Komponisten. Wie bei Kurtag häufig sind es kurze, komprimierte Sätze eher minimalistischen Charakters. Wie minimalistisch stellte ich beim Üben schnell fest: Kurtag verwendet in einem Satz jedes der beiden Stücke exakt den gleichen Klavierpart! So als ob er ihn einfach aus dem einen Stück herausgeschnitten und in das andere eingefügt hat (wen es interessiert, es handelt sich um die Passacagliabegleitung aus \u201eHommage a R.Sch\u201c (gerne im Musikerjargon auch \u201eHommage Arsch\u201c genannt) und den 6 Stücken für Posaune und Klavier).<\/p>\n

So ein Erlebnis habe ich nicht das erste Mal. So stellte ich zum Beispiel einmal fest, dass der Klavierpart in den \u201eHölderlin-Fragmenten\u201c für Bariton und Klavier von Rihm und seinem \u201eKlavierstück Nr.6 (Bagatellen) teilweise identisch ist. David Lang wiederum ging noch einen Schritt weiter: Seine Kurzoper \u201eJudith und Holofernes\u201c besteht aus exakt derselben Musik wie sein Stück \u201eAre you experienced?\u201c, nur leicht uminstrumentiert und ohne den Sprecherpart.<\/p>\n

Nun bin ich vielleicht altmodisch oder habe eine übertriebene Arbeitsethik, aber irgendwie hinterlassen solche Entdeckungen bei mir immer gemischte Gefühle. Ja ich weiß, spätestens seit Stockhausen und Rihm spricht man bei Komponisten nicht mehr von einzelnen Werken, sondern von \u201eWerkkomplexen\u201c, und da darf und soll sich alles aufeinander beziehen und durchdringen. Da sich eh keine alte Sau ständig alle Stücke hintereinander anhört, wird damit gewährleistet, dass sie durch die ständigen Selbstzitate immer ihr \u201eTrademark\u201c haben, also immer der aktuelle eigene musikalische Stil korrekt abgebildet ist. Hier gibt es auch eine Parallele zur Kunstwelt, in der ähnliche Ideen gerne ganze Bilderserien befeuern, da man dann einfach mehr Geld verdienen kann als mit Unikaten.<\/p>\n

Und klar, es wird dann immer das Beispiel von Bach gebracht, der ja auch mal eine alte Kantate unter neuem Titel benutzte, um sein wöchentliches Pensum überhaupt noch bewältigen zu können. Und bei Mozart wiederholen sich ja auch Melodien. Und bei Schubert. Und, und, und.<\/p>\n

Wer aber genauer hinschaut, wird merken, dass Bach sehr wohl zwischen seinen \u201ehandwerklichen\u201c Aufgaben (zu denen die wöchentliche Kantatenkomposition sicher gehörte) und seinen ambitionierteren Werken zu unterscheiden wusste. Bei letzteren strebte er definitiv höchstmögliche Qualität und Individualität des Ausdrucks an. Und die Wiederholungen bei Mozart und Schubert sind zum Teil eher intuitiv, einer ähnlichen Stilistik geschuldet oder schlicht und einfach unabsichtlich. Wir können davon ausgehen, dass weder Mozart noch Schubert aufgrund ihrer jeweiligen Lebenssituation ständig ihren gesamten Werkkatalog als Bibliothek verfügbar hatten. Interessant sind zum Beispiel auch die kleinen Ungenauigkeiten bei Sonatenreprisen beider Komponisten, die eindeutig belegen, dass die Themen aus der Erinnerung geholt und nicht etwa noch einmal abgeschrieben wurden. Und wenn in einer tonalen Tonsprache mit einer überschaubaren Varianz von Akkorden und Melodien etwas mal gleich klingt, kann es auch einfach mal Zufall sein, wie zahllose unbeabsichtigte Plagiatsfälle in der Popmusik zeigen.<\/p>\n

Mit den Mitteln heutiger Technik sind die Möglichkeiten des \u201eCopy and Paste\u201c \u2013 Prinzips aber ins Unermessliche gestiegen. In den 80er Jahren wurde gerne noch mit kopierten Partiturschnipseln und Uhu gearbeitet (wenn man mal bei den Verlagen nachfragt, ist man erstaunt, wie viele Orchesterstücke eigentlich eher Kollagen immer desselben Materials sind), inzwischen reichen wenige Klicks bei Sibelius, um komplexeste Passagen auf simple Weise anderswo einzufügen, zu transponieren oder gar zu transformieren. Man kann davon ausgehen, dass diese Features sehr, sehr viel genutzt werden, vor allem von jungen Komponisten, die eine möglichst große Ausbeute bei Wettbewerben erhoffen. Früher fiel es nämlich schon mal auf, wenn in einem Streichtrio plötzlich in der Bratschenstimme stand: \u201emit Klavier koordinieren\u201c, auch wenn gar kein Klavier mitspielt. Wiederverwertung halt, man hatte einfach ein anderes Stück zerschnitten und in mehrere Stücke aufgeteilt.<\/p>\n

Nichts gegen Wiederverwertung und Recycling \u2013 die Frage ist aber doch: Wie viel Recycling brauchen wir eigentlich in einer mit Musik ohnehin schon zugemüllten Welt? Müssen wir wirklich den allgemeinen Uraufführungswahn damit befeuern, dass wir uns gar nicht mehr so richtig bemühen und einfach dasselbe Stück immer wieder verkaufen? Brauchen wir überhaupt unambitionierte Musik, wenn es doch schon so viel davon gibt? Müssen wir in der freien Kunst dieselben Gesetze befolgen, die aus Musik ein Produkt macht, das \u201eabgeliefert\u201c wird? Gerade deswegen ist ja das Beispiel mit Kurtag so erschütternd \u2013 hier ist ein Komponist, der ohnehin schon erfreulich zurückhaltend ist mit seinem Werkausstoß und lieber auf Qualität als auf Masse setzt. Und dann muss der auch kopieren? <\/p>\n

Bearbeitungen sind da irgendwie etwas anderes, denn diese sind ja als solche gekennzeichnet und betreiben keinen Etikettenschwindel. Und klar, hier ist der Komponist vornehmlich \u201eHandwerker\u201c, der etwas für eine andere Aufführungssituation passend macht. Aber man denkt dann eben auch nicht, dass hier etwas genuin Originelles geschaffen wurde. <\/p>\n

Ich bin kein Moralapostel und auch nicht scheinheilig, dennoch kann ich wahrheitsgemäß sagen, dass ich noch nie ein Stück zweitverwertet habe. Und das aus einem ganz einfachen Grund: es macht mir keinen Spaß. Für mich besteht der Spaß beim Komponieren vornehmlich im Erfinden, das hält mich bei der Stange, das interessiert mich. Jedes Stück braucht auch seine eigenen Lösungen, braucht seinen eigenen Ton. Für mich ist es nicht dasselbe, eine Hommage an Robert Schumann für Trio oder ein Stück für Posaune und Klavier zu schreiben. In gewisser Weise bin ich auch zu faul, bei mir selber abzuschreiben. Ich finde es ehrlich gesagt wesentlich mühsamer, bei mir selber die richtige Stelle in einem anderen Stück herauszusuchen und diese dann dort einzufügen wo es passt \u2013 schneller geht es, etwas Neues zu erfinden.<\/p>\n

Allerdings gibt es Arten von Musik, bei denen man gar nicht merkt, ob hier und dort was eingefügt wurde, denn es ist ab einer gewissen Komplexität eh wurscht. Oder ab einer gewissen Textmasse. Vielleicht schaut man heutzutage auch generell nicht mehr so genau hin, weil es eh viel zu viel von allem gibt.<\/p>\n

Gerade übe ich übrigens zwei Stücke von György Kurtag, einem ja durchaus spielenswerten Komponisten. Wie bei Kurtag häufig sind es kurze, komprimierte Sätze eher minimalistischen Charakters. Wie minimalistisch stellte ich beim Üben schnell fest: Kurtag verwendet in einem Satz jedes der beiden Stücke exakt den gleichen Klavierpart! So als ob er ihn einfach aus dem einen Stück herausgeschnitten und in das andere eingefügt hat (wen es interessiert, es handelt sich um die Passacagliabegleitung aus \u201eHommage a R.Sch\u201c (gerne im Musikerjargon auch \u201eHommage Arsch\u201c genannt) und den 6 Stücken für Posaune und Klavier).<\/p>\n

So ein Erlebnis habe ich nicht das erste Mal. So stellte ich zum Beispiel einmal fest, dass der Klavierpart in den \u201eHölderlin-Fragmenten\u201c für Bariton und Klavier von Rihm und seinem \u201eKlavierstück Nr.6 (Bagatellen) teilweise identisch ist. David Lang wiederum ging noch einen Schritt weiter: Seine Kurzoper \u201eJudith und Holofernes\u201c besteht aus exakt derselben Musik wie sein Stück \u201eAre you experienced?\u201c, nur leicht uminstrumentiert und ohne den Sprecherpart.<\/p>\n

Nun bin ich vielleicht altmodisch oder habe eine übertriebene Arbeitsethik, aber irgendwie hinterlassen solche Entdeckungen bei mir immer gemischte Gefühle. Ja ich weiß, spätestens seit Stockhausen und Rihm spricht man bei Komponisten nicht mehr von einzelnen Werken, sondern von \u201eWerkkomplexen\u201c, und da darf und soll sich alles aufeinander beziehen und durchdringen. Da sich eh keine alte Sau ständig alle Stücke hintereinander anhört, wird damit gewährleistet, dass sie durch die ständigen Selbstzitate immer ihr \u201eTrademark\u201c haben, also immer der aktuelle eigene musikalische Stil korrekt abgebildet ist. Hier gibt es auch eine Parallele zur Kunstwelt, in der ähnliche Ideen gerne ganze Bilderserien befeuern, da man dann einfach mehr Geld verdienen kann als mit Unikaten.<\/p>\n

Und klar, es wird dann immer das Beispiel von Bach gebracht, der ja auch mal eine alte Kantate unter neuem Titel benutzte, um sein wöchentliches Pensum überhaupt noch bewältigen zu können. Und bei Mozart wiederholen sich ja auch Melodien. Und bei Schubert. Und, und, und.<\/p>\n

Wer aber genauer hinschaut, wird merken, dass Bach sehr wohl zwischen seinen \u201ehandwerklichen\u201c Aufgaben (zu denen die wöchentliche Kantatenkomposition sicher gehörte) und seinen ambitionierteren Werken zu unterscheiden wusste. Bei letzteren strebte er definitiv höchstmögliche Qualität und Individualität des Ausdrucks an. Und die Wiederholungen bei Mozart und Schubert sind zum Teil eher intuitiv, einer ähnlichen Stilistik geschuldet oder schlicht und einfach unabsichtlich. Wir können davon ausgehen, dass weder Mozart noch Schubert aufgrund ihrer jeweiligen Lebenssituation ständig ihren gesamten Werkkatalog als Bibliothek verfügbar hatten. Interessant sind zum Beispiel auch die kleinen Ungenauigkeiten bei Sonatenreprisen beider Komponisten, die eindeutig belegen, dass die Themen aus der Erinnerung geholt und nicht etwa noch einmal abgeschrieben wurden. Und wenn in einer tonalen Tonsprache mit einer überschaubaren Varianz von Akkorden und Melodien etwas mal gleich klingt, kann es auch einfach mal Zufall sein, wie zahllose unbeabsichtigte Plagiatsfälle in der Popmusik zeigen.<\/p>\n

Mit den Mitteln heutiger Technik sind die Möglichkeiten des \u201eCopy and Paste\u201c \u2013 Prinzips aber ins Unermessliche gestiegen. In den 80er Jahren wurde gerne noch mit kopierten Partiturschnipseln und Uhu gearbeitet (wenn man mal bei den Verlagen nachfragt, ist man erstaunt, wie viele Orchesterstücke eigentlich eher Kollagen immer desselben Materials sind), inzwischen reichen wenige Klicks bei Sibelius, um komplexeste Passagen auf simple Weise anderswo einzufügen, zu transponieren oder gar zu transformieren. Man kann davon ausgehen, dass diese Features sehr, sehr viel genutzt werden, vor allem von jungen Komponisten, die eine möglichst große Ausbeute bei Wettbewerben erhoffen. Früher fiel es nämlich schon mal auf, wenn in einem Streichtrio plötzlich in der Bratschenstimme stand: \u201emit Klavier koordinieren\u201c, auch wenn gar kein Klavier mitspielt. Wiederverwertung halt, man hatte einfach ein anderes Stück zerschnitten und in mehrere Stücke aufgeteilt.<\/p>\n

Nichts gegen Wiederverwertung und Recycling \u2013 die Frage ist aber doch: Wie viel Recycling brauchen wir eigentlich in einer mit Musik ohnehin schon zugemüllten Welt? Müssen wir wirklich den allgemeinen Uraufführungswahn damit befeuern, dass wir uns gar nicht mehr so richtig bemühen und einfach dasselbe Stück immer wieder verkaufen? Brauchen wir überhaupt unambitionierte Musik, wenn es doch schon so viel davon gibt? Müssen wir in der freien Kunst dieselben Gesetze befolgen, die aus Musik ein Produkt macht, das \u201eabgeliefert\u201c wird? Gerade deswegen ist ja das Beispiel mit Kurtag so erschütternd \u2013 hier ist ein Komponist, der ohnehin schon erfreulich zurückhaltend ist mit seinem Werkausstoß und lieber auf Qualität als auf Masse setzt. Und dann muss der auch kopieren? <\/p>\n

Bearbeitungen sind da irgendwie etwas anderes, denn diese sind ja als solche gekennzeichnet und betreiben keinen Etikettenschwindel. Und klar, hier ist der Komponist vornehmlich \u201eHandwerker\u201c, der etwas für eine andere Aufführungssituation passend macht. Aber man denkt dann eben auch nicht, dass hier etwas genuin Originelles geschaffen wurde. <\/p>\n

Ich bin kein Moralapostel und auch nicht scheinheilig, dennoch kann ich wahrheitsgemäß sagen, dass ich noch nie ein Stück zweitverwertet habe. Und das aus einem ganz einfachen Grund: es macht mir keinen Spaß. Für mich besteht der Spaß beim Komponieren vornehmlich im Erfinden, das hält mich bei der Stange, das interessiert mich. Jedes Stück braucht auch seine eigenen Lösungen, braucht seinen eigenen Ton. Für mich ist es nicht dasselbe, eine Hommage an Robert Schumann für Trio oder ein Stück für Posaune und Klavier zu schreiben. In gewisser Weise bin ich auch zu faul, bei mir selber abzuschreiben. Ich finde es ehrlich gesagt wesentlich mühsamer, bei mir selber die richtige Stelle in einem anderen Stück herauszusuchen und diese dann dort einzufügen wo es passt \u2013 schneller geht es, etwas Neues zu erfinden.<\/p>\n

Allerdings gibt es Arten von Musik, bei denen man gar nicht merkt, ob hier und dort was eingefügt wurde, denn es ist ab einer gewissen Komplexität eh wurscht. Oder ab einer gewissen Textmasse. Vielleicht schaut man heutzutage auch generell nicht mehr so genau hin, weil es eh viel zu viel von allem gibt.<\/p>\n

Oder doch?<\/p>\n

Moritz Eggert<\/p>\n

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